Barnett Newman - nghệ sĩ trừu tượng thân mến

2024 Tác giả: Leah Sherlock | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-17 05:53

Barnett Newman là đại diện tiêu biểu nhất của bộ phận nghệ thuật trừu tượng ở Mỹ. Ông sinh năm 1905 tại New York. Một cách viết khác của họ cũng phổ biến: Newman. Trong các nguồn tiếng Anh, anh ấy được biết đến với cái tên Barnett Newman.

Có bao nhiêu bức tranh sống sót

Nhân tiện, nghệ sĩ Barnett Newman đã phá hủy hoàn toàn tất cả các bức tranh ban đầu của mình, khoảng bốn mươi năm tác phẩm đã bị gạch bỏ và, thật không may, không hề bằng một cái vẫy tay. Do đó, ngày nay, khi nói về tác phẩm của Newman, các nhà nghiên cứu chỉ đang phân tích những bức tranh "còn sót lại" của thời kỳ cuối với số lượng 120 bức, phù hợp với khung thời gian gần 25 năm.

Các giai đoạn hình thành

Cha mẹ anh ấy là người Ba Lan, gốc Do Thái. Barnett Newman thời trẻ học hội họa tại Liên đoàn Sinh viên Nghệ thuật, còn được gọi là Liên đoàn Sinh viên Nghệ thuật. Thời kỳ sáng tạo này được đặc trưng bởi những thử nghiệm theo phong cách chủ nghĩa tự động của Jackson Pollock, sau đó Barnett Newman bị đồ họa cuốn theo, và anh lao đầu vào lĩnh vực vẽ với khuynh hướng siêu thực. Đáng chú ý là đồng thời ông đã tạo ra một trường nghệ thuậtcùng với những nhân vật nổi tiếng của hội họa Mỹ thế kỷ XX như Rothko, Motherwell và Baziotis.

Đã đến lúc mở

Triển lãm cá nhân đầu tiên, trưng bày độc quyền các bức tranh của Barnett Newman, đã bị các nhà phê bình nghệ thuật nghiền nát theo đúng nghĩa đen trong các bài báo đánh giá. Kết quả là sự chán nản kéo dài và sự miễn cưỡng khi trưng bày tác phẩm của mình trước công chúng, điều mà người nghệ sĩ đã có thể đối phó với chỉ 8 năm sau đó, khi ông quyết định triển lãm hồi tưởng các tác phẩm hiện có. Ngoài ra, chính trong giai đoạn này, Newman đã phá hủy tất cả các tác phẩm ban đầu của mình, vì vậy có thể nói rằng anh ấy không chỉ là một bậc thầy về cọ vẽ khắt khe mà còn dễ bị tổn thương.

Các tác phẩm nổi tiếng nhất củaBarnett Newman là những bức tranh được vẽ từ năm 1947 đến năm 1970. Đây là những bức tranh sơn dầu phần mềm, được đặt tên một cách thảm hại, kể về thế giới phi khách quan chỉ với sự chuyển động của bàn chải. "The Commandment", "Unity", "The Abyss of Euclid", "Midnight Blue" và các tác phẩm khác của nghệ sĩ trừu tượng ngày nay tạo thành các bộ sưu tập tư nhân, bao gồm cả bộ sưu tập của gia đình nghệ sĩ, và cũng được trưng bày tại một số bảo tàng của Hoa Kỳ. Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở New York có lẽ là nơi có bộ sưu tập hoàn chỉnh nhất bao gồm các giai đoạn khác nhau trong cuộc đời của nghệ sĩ.

Newman Manner

Các nhà phê bình xếp anh ta vào số những đại diện của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng của Mỹ. Một nhà lý thuyết lỗi lạc như Clement Greenberg đã đưa ra cho bức tranh này một định nghĩa về bức tranh trường mà theo đúng nghĩa đen của nó, điều này cho thấy rõ ràng sự khác biệt giữanhững chiếc máy bay lớn của Rothko và Newman được tạo ra theo cách tự động hóa tuyến tính và lấp lánh với những màu sắc tươi sáng. “Bức tranh hầu đồng” hoàn toàn không ám chỉ đến phong cảnh mục đồng mà đặc tả tình yêu của hai chủ nhân dành cho những mặt phẳng ngang lớn đơn sắc trong tác phẩm của mình. Các nhà nghiên cứu cho rằng phong cách này mang âm hưởng triết học rõ rệt và các đường viền của tông màu được trình bày trên canvas không thực sự tách biệt bất cứ điều gì, điều đó có nghĩa rằng đây là bức tranh tuyên bố một trong những nguyên tắc chính của Mỹ - tự do.

Cảm hứng

Cảm hứng được Barnett Newman (nghệ sĩ) đúc kết từ những giá trị triết học. Trở lại năm 1947, ông tuyên bố mục tiêu cao cả của bất kỳ nghệ thuật nào - không phải là nhất thời, là hướng đến các khái niệm mang tính lịch sử: sự sống, cái chết, con người và thiên nhiên. Những cái tên phức tạp được đặt cho các tấm vải đã nhấn mạnh bảng màu của cảm xúc và cảm xúc mà người nghệ sĩ đã cố gắng truyền tải chỉ với một màu sắc trong một thế giới phi khách quan. Thật không may, các nhà phê bình nghệ thuật sau này đã có thể đánh giá cao cách tiếp cận này.

Cách nhìn những bức tranh sơn dầu của Newman

Có một quy tắc bất thành văn giữa các nghệ sĩ và những người yêu nghệ thuật: để có được ấn tượng chung về bức tranh, bạn cần phải di chuyển ra xa nó một khoảng bằng chiều cao của nó. Một nguyên tắc tương tự được thực hiện từ thời Trung cổ đến thời kỳ Phục hưng và rất lâu sau đó, nhưng Barnett Newman nhấn mạnh rằng chỉ nên xem tranh của ông từ một khoảng cách gần. Điều gì đưa ra một cách tiếp cận như vậy? Hiệu ứng đưa người xem chìm đắm vào thế giới của những cánh đồng đầy màu sắc. Sau đó, bậc thầy ở New York thậm chí còn bắt đầu đăng hướng dẫn vềcách nhìn tranh của anh ấy, ngay tại triển lãm.

Mua đắt

Những gì không được chấp nhận bởi những người đương thời cho đến thời kỳ cuối cùng của công việc của ông đã được đánh giá cao sau này và đặc biệt là trong thời đại của chúng ta. Những bức tranh sơn dầu của bậc thầy nghệ thuật trừu tượng người Mỹ thường xuyên xuất hiện tại các cuộc đấu giá nổi bật nhất, bao gồm cả phiên đấu giá nổi tiếng của Sotheby’s. Một trong số chúng, gần đây đã được bán dưới cái búa, được định giá 30 triệu đô la.

Và đồng thời, tác phẩm của nghệ sĩ không chỉ khơi gợi những cảm xúc tích cực cho tất cả mọi người. Onement VI của Barnett Newman đã được một số người gọi là một trong những đồ vật nghệ thuật vô giá trị và ghê tởm nhất từng được đem ra bán đấu giá. Giá cho bức tranh trong lần bán cuối cùng vào năm 2013 tại Sotheby's là hơn 43 triệu đô la, tác phẩm là một bức tranh khổ lớn phủ đầy sơn màu xanh lam với một đường sọc dọc, khá đều.

Creation đề cập đến cái gọi là tia chớp trái ngược với "trường" nằm ngang. Kích thước chung của công trình - 2, 6 x 3 m.

Barnett Newman dành tặng "Ánh sáng của Anna" cho người mẹ quá cố của mình. Nói một cách chính xác, thứ này là một tấm bạt ngang có kích thước ấn tượng, phủ đầy sơn đỏ carmine. Vào năm 2013, “kiệt tác” cũng đã được đưa ra đấu giá và được bán với giá $ 106 (!) Triệu.

Từ khía cạnh kỹ thuật, bức tranh đáng chú ý ở chỗ Newman đã phải chiến đấu với sức mạnh phát sáng của màu đỏ,lấy thêm độ sáng từ canvas sơn lót trắng mờ. Một vài lớp sơn màu đỏ đã làm mất đi màu sắc của chất lượng này và khiến nó trở nên "điếc" và "thê lương", theo họa sĩ, nó phải ở trong tình huống này.