Các loại tranh. Tranh nghệ thuật. Tranh nghệ thuật trên gỗ

2025 Tác giả: Leah Sherlock | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2025-01-24 21:21

Tranh nghệ thuật là một loại hình nghệ thuật thủ công tiếp nối truyền thống của nghệ thuật dân gian. Đây không chỉ là một phạm vi hình ảnh nhất định, bản chất của nó còn nhiều hơn thế, bởi nó dường như bay bổng vượt thời gian, hợp nhất sức sáng tạo của hàng chục thế hệ bậc thầy. Nó được kết nối hữu cơ với Tổ quốc - tại nơi xuất phát của nó trong cộng đồng nông dân (người chăn nuôi gia súc, nông dân, thợ săn).

Quan điểm của các nhà sử học nghệ thuật về hội họa nghệ thuật

Tranh nghệ thuật được áp dụng cho các sản phẩm từ các vật liệu tự nhiên truyền thống dễ kiếm được "dân chủ": vải tự nhiên, gỗ, đất sét, da, đá, xương.

Cho đến thế kỷ 17, mầm của nó tồn tại trong các trang trại tự cung tự cấp. Kỹ năng được các bậc thầy truyền lại theo dòng họ, từ thế hệ này sang thế hệ khác. Các kỹ thuật nghệ thuật cụ thể đã được mài giũa, cho phép trình bày sản phẩm một cách tối ưu. Những cách trang trí có ý nghĩa và biểu cảm nhất đã được lựa chọn. Tranh trong kiến trúc trang trí trần, tường, hầm, dầm và cột, và trong cuộc sống hàng ngày - đồ dùng, vật lao động.

Trong khoảng thời gian từ thế kỷ 17 đến thế kỷ 18, hội họa nghệ thuật ở Nga đã trở thành một nghề thủ công tạo ra hàng hóa cho thị trường. Không phải từng chủ nhân bắt đầu tham gia vào nó, mà là từng địa phương, từng làng. Vào thế kỷ 19, một tổ chức artel của nghệ thuật hội họa đã diễn ra. Ví dụ, các bậc thầy thu nhỏ Fedoskino đã tự tổ chức theo cách này sau khi các chủ sở hữu tư nhân bị hủy hoại vào năm 1903 và bảo tồn tác phẩm nghệ thuật của họ. Năm 1876, giáo sư Isaev A. A. trong chuyên khảo hai tập "Thủ công mỹ nghệ của tỉnh Matxcova".

Vào những năm 1920-1930 dưới thời Liên Xô, quyền lực của Liên Xô được chú trọng vào việc tạo ra các khu buôn bán hợp tác, nơi trong lịch sử có các trung tâm nghệ thuật dân gian phát triển các loại hình hội họa nguyên bản. Ví dụ, bức tranh Khokhloma ở vùng Nizhny Novgorod.

Chiến lược phát triển hội họa, cũng như các loại hình nghệ thuật và thủ công khác, được nhà khoa học và giáo viên Vasily Sergeevich Voronov lĩnh hội và vạch ra trong chuyên khảo "Về nghệ thuật nông dân".

Hiện nay, các doanh nghiệp tranh nghệ thuật đang tích cực phát triển các loại hình hội họa để đáp ứng nhu cầu cả ở thị trường Nga và nước ngoài. Các sản phẩm sơn, trong khi vẫn duy trì chức năng hàng ngày của chúng, ngày càng có được những nét đặc trưng về giá trị thẩm mỹ và nghệ thuật. Đối với sản xuất của họ, máy móc hiện đại và thiết bị đặc biệt được sử dụng - để gia công thô và công việc chuẩn bị. Công việc sáng tạo chính, cũng như vài thế kỷ trước, được thực hiện bằng tay bởi các nghệ nhân bậc thầy.

Vẽ tranh như nghệ thuật

Không thể không lưu ý rằng quốc họa thay đổi chính hình ảnh của sản phẩm. Nó trở nên biểu cảm hơn ở cấp độ màu sắc, nhịp điệu của đường nét và tỷ lệ. Những món hàng công nghiệp “vô hồn” trở nên ấm áp và sống động nhờ nỗ lực của các nghệ nhân. Điều thứ hai đạt được bằng cách áp dụng một vật trang trí và các yếu tố mỹ thuật (đồ họa và hội họa). Các loại tranh khác nhau tạo ra một nền tảng cảm xúc tích cực đặc biệt, phù hợp với khu vực có ngư nghiệp tồn tại.

Nói một cách chính thức, nghệ thuật vẽ tranh được thực hiện bằng cách dùng cọ quét sơn lên một bề mặt nhất định. Một điểm quan trọng cần lưu ý: không giống như tranh vẽ, mô hình hóa một không gian tích hợp, tranh vẽ luôn rời rạc.

Các chuyên gia-nhà thiết kế thường nói về hiện tượng hội họa Nga: nó hài hòa với hầu hết mọi phong cách: tối giản, hiện đại, đồng quê. Các kỹ thuật do các bậc thầy cổ đại sáng tạo ra đã được hoàn thiện bởi nhiều thế hệ bậc thầy trong một số lĩnh vực nhất định, tạo nên một phong cách thể hiện đặc biệt. May mắn thay, ở Nga của thế kỷ 21, nhiều loại hình hội họa vẫn được bảo tồn và đang phát triển: Gzhel, Khokhloma, Boretskaya, Gorodets, Mezen, Onega, Permogorskaya, Pizhma, Polkhovsko-Paydanskaya, Puchzhskaya, Rakulskaya. Hãy xem xét các đặc điểm của các kiểu ban đầu này.

Sự xuất hiện của Khokhloma

Trên thực tế, khả năng vẽ một cái cây bằng vàng mà không cần dùng đến vàng đã được chuyển giao cho các bậc thầy Khokhloma từ các họa sĩ biểu tượng thần kinh, những người đã khám phá ra bí quyết này vào thế kỷ 12 trong khu rừng hoang dã bí mật. của vùng Volga. Nhân tiện, họ đãquen thuộc với các nghề thủ công cung cấp hội họa: tiện và nghệ thuật trang trí cổ đại. Có lẽ họ cũng đã quen thuộc với các loại tranh cổ, Một làng buôn bán lớn của vùng Nizhny Novgorod thuộc vùng Volga - Khokhloma - giống như một thỏi nam châm, thu hút những người thợ thủ công lành nghề.

Điều này, theo thuật ngữ hiện đại, một hội chợ khu vực dành cho một nhóm các ngôi làng dọc theo bờ sông Uzola không chỉ có tác dụng đối với thị trường nội địa của Nga. Các thương gia giàu có đã mua những lô hàng lớn các mặt hàng phổ biến trên đó và mang chúng đi xuất khẩu. Như vậy, thị trường Khokhloma đã chịu "họng súng" của cả thị trường trong và ngoài nước, có nghĩa là cạnh tranh về chất lượng chiếm ưu thế hơn so với cạnh tranh về giá. Một động lực thực sự đã được tạo ra: kỹ năng của một người thành thạo đã mang lại cho anh ta sự thịnh vượng hữu hình.

Theo nghiên cứu của các chuyên gia, trong khoảng thời gian từ thế kỷ 12 đến thế kỷ 17, phong cách Khokhloma đã phát triển, trong đó tích hợp các loại tranh gỗ Nizhny Novgorod cổ đại.

Trong khoảng thời gian từ thế kỷ 17 đến thế kỷ 18, phong cách Khokhloma về cơ bản đã hình thành. Trong thời đại của chúng ta, các trung tâm của nó là:

- nhà máy "Khokhloma artist", sử dụng các thợ thủ công từ các làng của quận Koverninsky (Semino, v.v.). Các bức tranh của họ chủ yếu là hoa dại và dâu rừng;

- hiệp hội "tranh Khokhloma", Semenov. Các bậc thầy của sự thống nhất theo truyền thống phát triển chủ đề về những bông hoa tuyệt vời.

Khokhloma công nghệ

Kỹ thuật thủ công của tu viện "bàn chải mỏng" đã được ứng dụng trong trang trí hoa phong phú nhất. Chất lượng của các sản phẩm đóng một vai trò lớn. Nghệ thuật của Khokhloma giả định trước sự tuân thủ của các bậc thầy của một công nghệ nhất định. Đó là đặc điểm mà nó không thay đổi cho đến thời đại của chúng ta. Chúng tôi liệt kê theo thứ tự các giai đoạn của nó:

- bật máy tiện một đĩa gỗ trống đĩa (“vải lanh”);

- khoảng trống sơn lót bằng dung dịch lỏng của đất sét được chuẩn bị đặc biệt ("trục"). Ngày nay, sơn lót nhân tạo được sử dụng cho mục đích này;

- tráng thiếc hoặc bạc. Bây giờ nhôm được sử dụng cho việc này;

- sơn gỗ và sấy bằng lò;

- Hoàn thiện và nấu nướng.

Quá trình xử lý nhiệt chuyên sâu của sản phẩm đã xác định cách phối màu được các họa sĩ Nga cổ đại ưa thích: sự kết hợp giữa vàng và đỏ chu sa với đen. Những thứ kia. nhiệt độ của lò Khokhloma không ảnh hưởng đến độ sáng và độ tương phản của các màu đó.

Phương pháp sơnKhokhloma

Loại tranh cổ xưa trên gỗ, tích hợp vào Khokhloma, xác định hai hệ thống của nó: tranh "nền" và tranh "đỉnh". Chính cái tên của hệ thống có chứa cách vẽ các đường viền chính của hình bóng.

Hệ thống "Horse" liên quan đến việc vẽ đường viền hình bóng màu trực tiếp trên nền vàng. Nền tạo thành một "đường viền" vàng trực tiếp từ nền, bằng cách "phác thảo" không gian xung quanh "những lọn tóc vàng" với các màu đen và đỏ.

Mỗi hệ thống đều sử dụng các loại tranh Khokhloma giống nhau. Chỉ có bốn trong số chúng: "xoăn", "dưới quả mọng" (hoặc "dưới lá"); "dưới bánh gừng"; "dưới nền".

"Kudrina" gợi ý một mẫu "thảo dược", được vẽ bằng cọ rất mảnh. Tuy nhiên, nó có phần gợi nhớ đến chiếc cói, được uốn với những chiếc vòng năng động hài hòa phức tạp. Theo các chuyên gia, đây là vật trang trí cổ xưa nhất.

"Under the berry" - được vẽ bằng cọ dày hơn. Ngoài "cơ sở thảo dược", lá và quả mọng đã xuất hiện ở đây. Dạng thực vật được kết hợp cách điệu. Trên cùng một "thân cây", bạn có thể nhìn thấy cả hoa cúc và lá dâu.

Vẽ tranh "dưới bánh gừng" liên quan đến việc chơi với một hình dạng hình học nhất định (thường là hình thoi). Hình này được làm sinh động bởi "bụi cây" ở hai bên và được chiếu sáng bởi mặt trời ở giữa.

Với phương pháp “under the background”, một đường viền thực vật được vẽ tuần tự, sau đó phần nền trống còn lại được sơn lên và chủ yếu là màu đen.

Nhờ sự độc đáo của bàn chải của mỗi bậc thầy, Khokhloma là không thể bắt chước và duy nhất. Các loại tranh mà chúng tôi đã xem xét ở trên xen kẽ trên đó, tạo sự thích thú cho người nhìn với sự hài hòa của các màu vàng, đỏ và đen.

Gzhel. Tìm đất sét làm sứ

Gzhel như một tác phẩm hội họa nghệ thuật được sinh ra trên lãnh thổ của quận Ramensky hiện đại của vùng Matxcova. Ngày xưa, những nơi này được gọi là núi lửa Gzhel, và các làng Bokhteevo, Volodino, Gzhel, Kuzyaevo, Novokharitonovo, Turygino nằm rải rác trên khu vực này.

Cho đến thế kỷ 17, nông dân địa phương đã sản xuất các món ăn tráng men tương đối thô sơ từ đất sét. Tình hình thay đổi do sự phát triển công nghiệp của đất sét địa phương thích hợp cho việc sản xuất đồ sứ. Khởi điểm là mệnh lệnh của nhà vuaAlexei Mikhailovich phát hiện ra "đất sét phù hợp" để sản xuất bình bào chế thuốc - vào năm 1663.

Thử nghiệm đã thành công, kể từ năm 1710, đơn hàng dược bắt đầu sử dụng nguyên liệu thô địa phương. Các dược sĩ ca ngợi chất lượng của đất sét, và thời điểm các nhà công nghiệp bắt đầu quan tâm đến chúng. Họ quan tâm đến nguyên liệu thô phù hợp để sản xuất đồ sứ. Theo sắc lệnh của sa hoàng vào năm 1844, một ủy ban đã được thành lập, bao gồm chủ sở hữu của nhà máy sứ ở Moscow, Afanasy Grebenshchikov, và kỹ sư của Xưởng sản xuất sứ, Dmitry Ivanovich Vinogradov, người đã được đào tạo về kỹ thuật khai thác mỏ tại Đại học Marburg. Năm năm tìm kiếm loại đất sét phù hợp. Năm 1849, sau tám tháng thăm dò, người ta đã thu được đất sét, từ đó đồ sứ hạng nhất đã được sản xuất. Bản thân M. V. Lomonosov, một học viên của Vinogradov, đã đánh giá cao chất lượng của họ.

Gzhel. Phát triển sản xuất

Nhà công nghiệp Grebenshchikov bắt đầu sử dụng các nguyên liệu thô tìm thấy tại nhà máy ở Moscow của ông ấy. Tuy nhiên, những người thông minh từ làng Gzhel và các làng xung quanh, như chúng tôi đã đề cập, những người đã có kỹ năng làm gốm, cũng nhận ra lợi ích của việc sử dụng đất sét chất lượng cao hơn.

Mọi thứ diễn ra nhanh chóng, bởi vì các nhà tư vấn xuất sắc sống trong các ngôi làng - những công nhân sản xuất từ nhà máy của A. Grebenshchikov. Trong khoảng thời gian từ năm 1750 đến năm 1820, những người thợ thủ công đã sản xuất ra các sản phẩm đặc biệt - bình, đĩa, cốc, đĩa lên men hình thuôn dài. Bức tranh trang trí được thực hiện với sơn màu xanh lá cây, vàng, xanh lam và cà tím trên nền trắng. Hình ảnh bao gồm một con chim - ở trung tâm và xung quanh nó - cây cối, bụi rậm, nhà cửa. (những thứ kia.minh họa nguyên thủy các loại sơn món ăn). Các món ăn được yêu cầu. Đã có sự cạnh tranh về chất lượng. Các xưởng gốm trước đây đã dẫn đầu, sản xuất bán công bằng chất lượng cao, giống hệt các món ăn "nước ngoài".

Kỹ năng đã được mài giũa hơn 80 năm, và kể từ năm 1820, hầu như tất cả các thợ thủ công của Gzhel đều sản xuất đồ bán công bằng. Đây là thời kỳ hoàng kim của nghệ thuật Gzhel. Sản phẩm của các bậc thầy có thể được nhìn thấy trong Hermitage. Món ăn này bắt đầu được coi là ngon nhất và thanh lịch nhất ở Nga. Những chiếc ấm, bát, đĩa được sơn màu đặc trưng của Gzhel tràn ngập các ngôi nhà của thương gia và giới quý tộc, quán rượu. Cải tiến các loại tranh. Gzhel được mua khắp cả nước, từ Arkhangelsk đến Astrakhan, xuất khẩu sang Trung Á và Trung Đông. Khoảng ba mươi nhà máy sản xuất sản phẩm. Các nhà sản xuất tham gia sản xuất Gzhel: Barmins, Guslins, Gusyatnikovs, Kiselevs, Terekhovs, Sazonovs.

Thật không may, kể từ năm 1860, bức tranh của Gzhel đã giảm sút. Sự sáng tạo dân gian, sinh ra từ sự cạnh tranh của hàng trăm nhà sản xuất nhỏ và hàng chục nhà sản xuất vừa, đang bị thay thế bởi tính thực dụng của các công ty độc quyền lớn. Trong số các nhà độc quyền, M. S. Kuznetsov nổi bật với 5 nhà máy và sản lượng hàng năm là 2,1 triệu rúp. Năng lực sản xuất của tất cả phần còn lại là 14% của Kuznetsovsky. Quả nhiên, nhà sản xuất Kuznetsov đã “đè bẹp” sức sáng tạo. Sự cạnh tranh đã biến mất, động lực đã đi xuống, chất lượng đã đi xuống, sự suy giảm đã bắt đầu.

Cách các nghệ sĩ vẽ Gzhel

Gzhel độc đáo ở chỗ mỗi bậc thầy, sử dụng các loại hình hội họa nghệ thuật cổ điển cho cô ấy, tạo ra cá nhân của riêng mìnhkỹ thuật.

Đây là một nghệ thuật tinh tế. Vai trò chính thuộc về kinh nghiệm của bậc thầy, thể hiện qua cách di chuyển của bàn chải. Đồng thời, trên nền trắng như tuyết của sứ tạo ra sự chuyển màu hài hòa từ xanh lam đậm sang xanh lam mờ ảo. Tất cả điều này được vẽ bằng một loại sơn duy nhất - coban. Hoa văn được chồng lên bề mặt "ngay lần thử đầu tiên", nhanh chóng.

Tại sao kỹ năng nghệ sĩ lại quan trọng? Ban đầu, màu sắc thực của hoa văn không thể nhìn thấy (một đặc điểm của coban). Mọi thứ được miêu tả dường như là một màu và chỉ khi Gzhel được nung trong lò, họa tiết mới xuất hiện đầy đủ.

Thành phần của Gzhel là gì? Vai trò trung tâm trong đó thường được chiếm bởi một bông hoa được trang trí. Ở hai bên của nó là một mảnh đất "thảo dược" quanh co hài hòa, được làm giàu với các loại lá và quả mọng. Tình cờ là những âm mưu thú tính hoặc những thứ liên quan đến cuộc sống hàng ngày (ví dụ như ở nhà) được thêu dệt vào bức vẽ này.

Làm thế nào mà một bản vẽ như vậy thực tế lại diễn ra? Các loại tranh nghệ thuật của Gzhel “được vẽ từ lần đầu tiên” thực sự được rút gọn thành các phương pháp sử dụng nét vẽ. Chỉ có bốn trong số đó: nét vẽ bóng mờ, vẽ bằng một nét vẽ, họa tiết hoa văn, cũng như các hình ảnh bổ sung.

Nhòe mạng bóng mờ có đặc điểm là dải màu rộng do lớp phủ coban có cường độ khác nhau thông qua thao tác xoay cọ đặc biệt của nghệ sĩ.

Vẽ bằng một cọ có đặc điểm là mỗi nét vẽ tiếp theo sẽ khác tông màu với nét vẽ trước. Đồng thời, cường độ của các nét vẽ giảm dần, chúng “sáng lên”.

Họa tiết hoa kim sa mỏng nhất. Nó chỉ được vẽ bằng một đầu cọ.

Các loại hội họa mà Gzhel sử dụng không phải là đặc trưng của nhiếp ảnh sao chép các họa tiết tự nhiên, mà được suy nghĩ lại và trình bày theo một cấu trúc bất ngờ. Những chiếc lá màu xanh tái tạo, cánh hoa tulip xanh, cúc tây, hoa cẩm chướng, hoa hồng được nghệ sĩ khắc họa theo đường nét của các loài chim hoặc động vật. Đôi khi họ phác thảo các vật dụng hoặc đồ vật hàng ngày được cách điệu (ví dụ: túp lều của nông dân).

Hình ảnh loại "cỏ" bổ sung - tua, xoắn ốc, yếu tố nở, các nét vẽ khác nhau, các mảnh hình học - hoàn thiện hình ảnh, tạo điểm nhấn cần thiết.

Sự xuất hiện của bức tranh Polkhov-Maidan

Tranh dân gian Nga đa dạng. Các loại của nó trong tất cả sự đa dạng của chúng, có lẽ, có thể được mô tả trong một chuyên khảo chuyên ngành, nhưng không phải trong một bài báo. Vì vậy, nhiệm vụ của chúng tôi là khiêm tốn hơn. Chúng tôi đã nêu tên những loại tranh được "lăng xê" nhiều nhất: Khokhloma và Gzhel. Tuy nhiên, có những người khác, tất cả đều là bản gốc và có khá nhiều người trong số họ. Hãy kể tên một số: Boretskaya, Gorodets, Mezenskaya, Onega, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovo-Maidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya, v.v. Không thể kể chi tiết về tất cả chúng trong bài viết này, chúng tôi sẽ trình bày mô tả về một trong số chúng - Polkhov-Maidan.

Bức tranh này bắt nguồn từ đầu thế kỷ 20 ở quận Voznesensky của vùng Nizhny Novgorod. Ở đây, trong các làng Polkhovsky Maidan và ở làng Voznesenskoye, vào cuối thế kỷ 18, có một doanh nghiệp chuyển hướng của các nhà sư của Tu viện Sarov. Nghề tiện đã học vànông dân, trở thành thợ thủ công lành nghề trong sản xuất đồ dùng bằng gỗ. Những người thợ thủ công cũng đã làm, như họ đã nói, "tadarushki", tức là các mặt hàng để giải trí: còi, nấm, búp bê làm tổ, trứng Phục sinh, đồ chơi trẻ em.

Động lực cho việc tạo ra bức tranh là việc nông dân Polin Pavel Nikitich mua một thiết bị cho vizhiganie, và từ năm 1926, sự sáng tạo thức tỉnh của những người nông dân đã đưa họ đến với các sản phẩm vẽ bằng sơn dầu, và từ năm 1933 chúng đã được thay thế bằng sơn anilin.

Sau khi tác phẩm của Polkhovtsy được Zagortsy, Merinovtsy, Semenovtsy áp dụng, các loại búp bê lồng tranh mới đã được tạo ra (chúng ta sẽ đề cập đến chủ đề này sau).

Công nghệ vẽ theo phong cách Polkhov-Maidan

Ban đầu, bề mặt của sản phẩm gỗ được đánh nhám và sơn lót bằng hồ tinh bột. Sau đó, các đường viền của bản vẽ được áp dụng bằng mực, sau đó bức tranh được thực hiện. Để làm được điều này, các loại sơn có bốn màu đã được sử dụng: đỏ, vàng, xanh lá cây và xanh lam. Sau đó, "mẹo" được thực hiện, một công đoạn nghệ thuật đặc trưng của phong cách Polkhov-Maidan, bao gồm việc truy tìm đường viền của bức vẽ bằng màu đen. Chúng tôi nói thêm rằng loại tranh này liên quan đến một kỹ thuật như phủ hoa.

Loại hình nghệ thuật này cũng sử dụng một kỹ thuật đặc biệt là vẽ không đường viền.

Chúng tôi đề cập đến loại tranh này không phải ngẫu nhiên. Anh ấy đã phát triển mạnh mẽ ở Liên Xô cho đến tận những năm 90. Năm nghìn người đã làm việc tại nhà máy Voznesenskaya. Trong số này, 40% là họa sĩ, còn lại là thợ đóng. Công việc được xử lý một cách sáng tạo, tại nhà máyphòng thí nghiệm sáng tạo. Các sản phẩm đã được xuất khẩu sang Mỹ và các nước Châu Âu. Ngày nay, các truyền thống của nhà máy đang được các doanh nhân phát triển.

Matryoshka của Bệ hạ

Hội họa Nga không phải lúc nào cũng phát triển theo hướng tiến hóa. Những quan điểm của cô ấy đôi khi nảy sinh một cách bất ngờ - không phải từ "chiều sâu của hàng thế kỷ." Chúng được tạo ra bởi cái nhìn sâu sắc của một bậc thầy sáng tạo người Nga. Đây là những gì đã xảy ra với matryoshka. Cô ấy không phải là một phát minh bản địa của Nga.

Matryoshka xuất hiện ở Nga vào thế kỷ 19 ở Sergiev Posad. Năm 1898, vợ của nghệ sĩ Sergey Vasilyevich Malyutin đã mang từ Nhật Bản một bức tượng ông già Fukurumu, trong đó bốn bức tượng khác đã được đầu tư (nhân tiện, theo truyền thuyết Nhật Bản, bức tượng đầu tiên như vậy là do một nhà sư người Nga làm). Sergei Vasilievich đã nghĩ lại "bằng tiếng Nga" ý tưởng của cô ấy. Một ý tưởng tuyệt vời đã nảy sinh - mô hình một gia đình Nga điển hình. Cái tên Matryona sau đó rất phổ biến ở Nga. Ngoài ra, như Milyutin tin, nó giống với tên La Mã cổ đại của người mẹ trong gia đình.

Sergey Vasilyevich đã vẽ một bức tượng nhỏ với tám phần đính kèm. Người phụ nữ được theo sau là con gái với một con gà trống đen, sau đó là con trai, rồi lại là một cô gái, con số thứ tám là một đứa bé. Turner V. P. Zvezdochkin đã chạm khắc hình dạng của chúng từ gỗ. Chính Sergey Vasilievich đã vẽ bức tượng.

Sản xuất búp bê làm tổ. Các loại tranh

Sự phổ biến trên toàn thế giới của búp bê làm tổ, được thế giới công nhận có từ năm 1900, khi nó "xuất hiện" - tại triển lãm thế giới ở Paris.

Liệu nghệ thuật dân gian có thể vượt qua những con búp bê làm tổ? Vào năm 1899, toàn bộ Sergiev Posad đã sản xuất những con búp bê quyến rũ mới: những cô gáivà phụ nữ, hồng hào, trong bộ ca-rô và tạp dề hoặc khăn tắm và bộ quần áo nữ, với giỏ, vật nuôi, chim, hoa. Phong cách Zagorsk (như bạn đã biết, Sergiev Posad đã được đổi tên thành Zagorsk) nổi bật bởi vẻ đẹp như tranh vẽ, chú ý đến từng chi tiết nhỏ.

Kể từ năm 1922, búp bê làm tổ cũng đã được sản xuất tại làng Merinovo thuộc vùng Nizhny Novgorod. Người thợ làm bánh ở địa phương Maiorov A. F., đã mua một chiếc Sergius matryoshka, chạm khắc “của riêng anh ấy”. Con gái của ông đã vẽ các bức tượng nhỏ. Người Merino nhanh chóng thành thạo trong việc chế tạo những bức tượng nhỏ phức tạp này. Merino matryoshka rất sáng, mặc dù có ít chi tiết hơn so với Zagorsk.

Nơi "ký gửi matryoshka" thứ ba là ngôi làng Polkhovsky Maidan, nổi tiếng với cả thợ làm bánh và hội họa. Polkhovskaya matryoshka có những nét đặc trưng riêng:

- mặt chữ viết thoáng qua, nét nhỏ;

- vị trí của đường viền ngoài của chiếc khăn và đường viền của chiếc váy suông (váy), từ phía sau đến 2/3 matryoshka được sơn màu đỏ tươi (đỏ) hoặc xanh lá cây. Màu sắc của chiếc khăn tương phản với nó. Trong khu vực trán của matryoshka, một bông hoa gà gô hoang dã được vẽ. Tạp dề được đánh dấu - từ cổ xuống đất. Bức tranh của tạp dề được nhóm "dọc theo hình bầu dục". Ở giữa là một cành với một bông hồng đang hé nở, những chiếc lá, những quả mọng. Thành phần được hoàn thành với hoa cúc và đừng quên tôi.

Khó làm nhất là con búp bê làm tổ từ Vyatka, được các thợ thủ công địa phương nạm rơm.

Kết

Tranh nghệ thuật Nga là một loại hình nghệ thuật và thủ công dựa trên truyền thống dân gian sâu sắc, về nhận thức của mọi người về Tổ quốc là gì, Gia đình là gì. Nó gắn liền với thời đạicuộc sống của ông cha ta, vì vậy, những sản phẩm bằng sơn mang trong mình sự ấm áp, nhân văn, và một thái độ sống sáng tạo. Họ thực sự trang trí cuộc sống của một con người hiện đại, họ thay thế cho sự "vô vị", họ giới thiệu các yếu tố trang trí không gian sống.

Tranh nghệ thuật cũng mang lại một số điểm nhấn trong cuộc sống của chúng ta, nhắc nhở chúng ta về sự liên tục, về Tổ quốc, về nghĩa vụ nhân văn chung của mỗi người - làm cho cuộc sống xung quanh chúng ta tươi đẹp hơn.