Tranh Nhật Bản. Tranh Nhật Bản hiện đại

2024 Tác giả: Leah Sherlock | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-17 05:53

Hội họa Nhật Bản là hình thức mỹ thuật lâu đời nhất và tinh tế nhất, bao gồm nhiều kỹ thuật và phong cách. Trong suốt lịch sử của mình, nó đã trải qua một số lượng lớn các thay đổi. Các truyền thống và thể loại mới đã được thêm vào, và các nguyên tắc ban đầu của Nhật Bản vẫn được giữ nguyên. Cùng với lịch sử tuyệt vời của Nhật Bản, bức tranh cũng sẵn sàng giới thiệu nhiều sự thật độc đáo và thú vị.

Nhật Bản cổ đại

Phong cách hội họa đầu tiên của Nhật Bản xuất hiện trong thời kỳ lịch sử cổ xưa nhất của đất nước, thậm chí là trước Công nguyên. e. Hồi đó, nghệ thuật còn khá sơ khai. Đầu tiên, vào năm 300 trước Công nguyên. e., các hình hình học khác nhau xuất hiện, được làm trên đồ gốm với sự trợ giúp của gậy. Một phát hiện như vậy của các nhà khảo cổ học như một vật trang trí trên chuông đồng thuộc về thời gian muộn hơn.

Sau đó một chút, đã vào năm 300 sau Công Nguyên. e., tranh đá xuất hiện, đa dạng hơn nhiều so với trang trí hình học. Đây là những hình ảnh đầy đủ chính thức với hình ảnh. Họ đã được tìm thấy bên trong các chữ viết, và có lẽ những người được vẽ trên đó đã được chôn cất trong những khu đất chôn cất này.

Vào thế kỷ thứ 7 sau Công nguyên. e. Nhật Bản áp dụng một kịch bảnđến từ Trung Quốc. Cũng trong khoảng thời gian này, những bức tranh đầu tiên ra đời từ đó. Sau đó, hội họa xuất hiện như một lĩnh vực nghệ thuật riêng biệt.

Edo

Edo không phải là trường phái hội họa đầu tiên và cũng không phải là cuối cùng của Nhật Bản, nhưng chính cô ấy là người đã mang đến rất nhiều điều mới mẻ cho nền văn hóa này. Thứ nhất, đó là độ sáng và độ rực rỡ đã được thêm vào kỹ thuật thông thường, thực hiện với tông màu đen và xám. Sotasu được coi là nghệ sĩ nổi bật nhất của phong cách này. Anh ấy đã tạo ra những bức tranh cổ điển, nhưng các nhân vật của anh ấy rất nhiều màu sắc. Sau đó, anh ấy chuyển sang thiên nhiên và hầu hết các cảnh quan được thực hiện trên nền mạ vàng.

Thứ hai, trong thời kỳ Edo, thể loại namban kỳ lạ đã xuất hiện. Nó sử dụng các kỹ thuật hiện đại của châu Âu và Trung Quốc, đan xen với phong cách truyền thống của Nhật Bản.

Và thứ ba, trường Năng lượng xuất hiện. Trong đó, đầu tiên các nghệ sĩ bắt chước hoàn toàn hoặc thậm chí sao chép tác phẩm của các bậc thầy Trung Quốc. Sau đó, một nhánh mới xuất hiện, được gọi là bunjinga.

Thời kỳ hiện đại hóa

Thời kỳ Edo thay thế thời Minh Trị, và giờ đây hội họa Nhật Bản buộc phải bước vào một giai đoạn phát triển mới. Vào thời điểm này, các thể loại như phương Tây và những thứ tương tự đang trở nên phổ biến trên khắp thế giới, vì vậy việc hiện đại hóa nghệ thuật đã trở thành một vấn đề chung. Tuy nhiên, ở Nhật Bản, một đất nước mà tất cả mọi người đều tôn kính truyền thống, vào thời điểm này, tình hình đã khác đáng kể so với những gì đã xảy ra ở các nước khác. Tại đây, sự cạnh tranh giữa các kỹ thuật viên châu Âu và địa phương bùng lên mạnh mẽ.

Chính phủ ở giai đoạn này ưu tiên các nghệ sĩ trẻ, những người có triển vọng cải thiện kỹ năng của họ theo phong cách phương Tây. Vì vậy, họ gửi chúng đến các trường học ở Châu Âu và Châu Mỹ.

Nhưng đó chỉ là vào đầu thời kỳ. Thực tế là các nhà phê bình nổi tiếng đã chỉ trích nghệ thuật phương Tây khá mạnh mẽ. Để tránh gây xôn xao xung quanh vấn đề này, các phong cách và kỹ thuật châu Âu bắt đầu bị cấm tham gia các cuộc triển lãm, việc trưng bày của chúng bị ngừng lại, cũng như mức độ phổ biến của chúng.

Sự xuất hiện của phong cách Châu Âu

Tiếp theo là thời kỳ Taisho. Thời gian này, các nghệ sĩ trẻ bỏ dở việc học ở nước ngoài trở về quê hương. Đương nhiên, họ mang trong mình những phong cách hội họa mới của Nhật Bản, rất giống với phong cách hội họa của châu Âu. Trường phái ấn tượng và trường phái hậu ấn tượng xuất hiện.

Ở giai đoạn này, nhiều trường học được hình thành trong đó các phong cách Nhật Bản cổ xưa đang được hồi sinh. Nhưng không thể hoàn toàn thoát khỏi khuynh hướng phương Tây. Vì vậy, chúng tôi phải kết hợp một số kỹ thuật để làm hài lòng cả những người yêu thích các tác phẩm kinh điển và những người hâm mộ hội họa hiện đại của Châu Âu.

Một số trường được tài trợ bởi nhà nước, nhờ đó nhiều truyền thống dân tộc được bảo tồn. Mặt khác, các nhà kinh doanh tư nhân buộc phải tuân theo sự dẫn dắt của những người tiêu dùng muốn một cái gì đó mới, họ cảm thấy mệt mỏi với những tác phẩm kinh điển.

Tranh trong Chiến tranh thế giới thứ hai

Sau khi thời chiến bắt đầu, hội họa Nhật Bản vẫn xa cách với các sự kiện trong một thời gian. Nó phát triển riêng biệt và độc lập. Nhưng nó không thể tiếp tục như thế này mãi mãi.

Theo thời gian, khi tình hình chính trị trong nước ngày càng trở nên tồi tệ, những nhân vật cấp cao và được kính trọng đã thu hút rất nhiều nghệ sĩ. Một số người trong số họ, ngay cả khi bắt đầu chiến tranh, bắt đầu sáng tạo theo phong cách yêu nước. Những người còn lại chỉ bắt đầu quá trình này theo lệnh của cơ quan có thẩm quyền.

Theo đó, mỹ thuật Nhật Bản trong Chiến tranh thế giới thứ hai đã không thể phát triển một cách đặc biệt. Vì vậy, đối với hội họa, nó có thể được gọi là trì trệ.

suibokuga vĩnh cửu

Tranh sumi-e trong tiếng Nhật, hay suibokuga, có nghĩa là "tranh mực". Điều này quyết định phong cách và kỹ thuật của nghệ thuật này. Nó đến từ Trung Quốc, nhưng người Nhật quyết định đặt cho nó tên riêng của họ. Và ban đầu kỹ thuật không có bất kỳ mặt thẩm mỹ. Nó đã được các nhà sư sử dụng để tự hoàn thiện bản thân trong khi học Thiền. Hơn nữa, lúc đầu họ vẽ tranh, sau đó họ rèn luyện khả năng tập trung khi xem chúng. Các nhà sư tin rằng những đường nét nghiêm ngặt, tông màu mờ và bóng tối đã giúp hoàn thiện - tất cả những gì được gọi là đơn sắc.

Tranh mực Nhật Bản, mặc dù có rất nhiều loại tranh và kỹ thuật, nhưng nhìn sơ qua thì không quá phức tạp. Nó chỉ dựa trên 4 ô:

1. Hoa cúc.
2. Phong lan.
3. Cành mận.
4. Tre.

Số lượng lô ít không làm cho việc nắm vững kỹ thuật trở nên nhanh chóng. Một số bậc thầy tin rằng việc học sẽ kéo dài suốt đời.

Mặc dùsumi-e đó đã xuất hiện cách đây rất lâu, nó luôn luôn có nhu cầu. Hơn nữa, ngày nay bạn có thể gặp gỡ những bậc thầy của ngôi trường này không chỉ ở Nhật Bản, nó còn lan rộng ra ngoài biên giới của nó.

Thời kỳ hiện đại

Chiến tranh thế giới thứ hai kết thúc, nghệ thuật ở Nhật Bản chỉ phát triển rực rỡ ở các thành phố lớn, dân làng và dân làng đã đủ lo toan. Phần lớn, các nghệ sĩ đã cố gắng quay lưng lại với những mất mát của chiến tranh và khắc họa cuộc sống đô thị hiện đại với tất cả những nét tô điểm và nét đặc trưng của nó trên vải. Các ý tưởng của châu Âu và Mỹ đã được thông qua thành công, nhưng tình trạng này không kéo dài. Nhiều thạc sĩ bắt đầu rời xa họ để đến các trường học ở Nhật Bản.

Kiểu truyền thống luôn hợp mốt. Vì vậy, hội họa Nhật Bản hiện đại có thể chỉ khác nhau về kỹ thuật thực hiện hoặc vật liệu được sử dụng trong quá trình này. Nhưng hầu hết các nghệ sĩ không cảm nhận rõ về những đổi mới khác nhau.

Chưa kể đến các nền văn hóa phụ thời thượng như anime và các phong cách tương tự. Nhiều nghệ sĩ đang cố gắng làm mờ ranh giới giữa tác phẩm kinh điển và những gì đang có nhu cầu ngày nay. Phần lớn, tình trạng này là do thương mại. Các tác phẩm kinh điển và thể loại truyền thống không thực sự được mua, do đó, hoạt động như một nghệ sĩ trong thể loại yêu thích của bạn là không có lợi, bạn cần phải thích ứng với thời trang.

Kết

Không còn nghi ngờ gì nữa, hội họa Nhật Bản là một kho tàng mỹ thuật. Có lẽ, quốc gia được đề cập vẫn là quốc gia duy nhất không theo xu hướng phương Tây,đã không thích ứng với thời trang. Bất chấp nhiều cú đánh trong quá trình ra đời của các kỹ thuật mới, các nghệ sĩ Nhật Bản vẫn cố gắng bảo vệ truyền thống dân tộc trong nhiều thể loại. Đây có lẽ là lý do tại sao những bức tranh được làm theo phong cách cổ điển được đánh giá cao trong các cuộc triển lãm ngày nay.