Willem de Kooning và bức tranh của anh ấy

2024 Tác giả: Leah Sherlock | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-17 05:53

Willem de Kooning sinh ngày 1904-04-24 tại Rotterdam (Hà Lan). Được thúc đẩy bởi một trí tuệ sâu sắc sắc bén, một đạo đức làm việc mạnh mẽ và một sự tự tin kiên định - kết hợp với quyết tâm đạt được - sự lôi cuốn của de Kooning đã trở thành một trong những nghệ sĩ Mỹ có ảnh hưởng nhất trong thế kỷ 20.

Học tập và chuyển đến Hoa Kỳ

Thể hiện niềm yêu thích nghệ thuật ngay từ khi còn nhỏ, Willem đã học việc tại một công ty thiết kế hàng đầu ở tuổi 12 và, với sự hỗ trợ của cô, cô đã vào học ban đêm tại Học viện Mỹ thuật và Công nghệ Rotterdam danh tiếng., được đổi tên để vinh danh ông vào năm 1998, lấy tên là Học viện Willem de Kooning.

Năm 1926, với sự giúp đỡ của người bạn Leo Kogan, ông lên tàu đến Hoa Kỳ và định cư ở New York. Vào thời điểm đó, anh không khao khát cuộc sống của một nghệ sĩ. Thay vào đó, giống như nhiều thanh niên châu Âu, anh ấy có phiên bản giấc mơ Mỹ của riêng mình (tiền lớn, gái, cao bồi, v.v.). Tuy nhiên, sau một thời gian ngắn làm thợ sơn nhà, anh ấy đã trở thành một họa sĩ chuyên nghiệp, đắm mình trong nghệ thuật và thế giới nghệ thuật New York, kết bạn với những người nổi tiếng như Stuart Davis và Arshile Gorky.

Trường New York

Năm 1936, trong thời kỳ Đại suy thoái, de Kooning làm việc trong Cục Tranh tường của Cục Quản lý Công trình Công cộng Hoa Kỳ. Kinh nghiệm có được đã thuyết phục anh ấy cống hiến hết mình cho hội họa.

Đến cuối những năm 50. de Kooning và những người cùng thời với ông ở New York, bao gồm Franz Kline, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, Barnett Newman và Mark Rothko, trở nên nổi tiếng vì họ từ chối các chuẩn mực phong cách được chấp nhận như chủ nghĩa khu vực, chủ nghĩa siêu thực và chủ nghĩa lập thể, làm tan biến mối quan hệ giữa tiền cảnh và hậu cảnh và sử dụng sơn để tạo ra những cử chỉ trừu tượng, tình cảm. Phong trào này đã được gọi theo nhiều cách - và hội họa hành động, chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, và đơn giản là trường phái New York.

Trước đó, Paris được coi là trung tâm của sự tiên phong và rất khó để nhóm các nghệ sĩ Mỹ đầy tham vọng này có thể cạnh tranh với bản chất sáng tạo trong tác phẩm của Picasso. Nhưng de Kooning nói thẳng: Picasso là một người đàn ông cần được vượt qua. Willem và nhóm của anh ấy cuối cùng đã được chú ý - họ chịu trách nhiệm về sự thay đổi lịch sử dành cho New York trong những năm sau Thế chiến thứ hai.

Trong số các đồng nghiệp của mình, de Kooning được biết đến như "họa sĩ của các nghệ sĩ" và sau đó được công nhận vào năm 1948 với triển lãm cá nhân đầu tiên của mình tại Phòng trưng bày Charles Egan ở tuổi 44. Có những bức tranh, được xử lý rất nhiều bằng dầu và men, bao gồm cả những bức tranh sơn dầu trắng đen nổi tiếng của ông. Triển lãm này rất quan trọng đối với danh tiếng của Kooning.

Ngay sau đó, vào năm 1951Cùng năm đó, ông đã đạt được một trong những doanh thu lớn đầu tiên của mình khi nhận được Huy chương Logan và giải thưởng của Viện Nghệ thuật Chicago cho tác phẩm trừu tượng hoành tráng của mình, The Excavation (1950). Đây có lẽ là một trong những bức tranh quan trọng nhất của thế kỷ 20. Đồng thời, de Kooning nhận được sự ủng hộ của hai nhà phê bình hàng đầu ở New York - Clement Greenberg, và sau đó là Harold Rosenberg.

Khởi hành từ trừu tượng

Thành công củaWillem de Kooning không làm suy yếu nhu cầu nghiên cứu và thử nghiệm của anh ấy. Năm 1953, ông đã gây chấn động thế giới nghệ thuật với một loạt các tác phẩm tượng hình được vẽ mạnh mẽ thường được gọi là bức tranh "Phụ nữ". Những hình ảnh này có nhiều loại hoặc nhiều biểu tượng hơn là chân dung người.

Sự trở lại của anh ấy bị một số người coi là sự phản bội các nguyên tắc chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng. Anh ấy mất đi sự ủng hộ của Greenberg, nhưng Rosenberg vẫn tin vào tầm quan trọng của anh ấy. Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở New York coi sự thay đổi phong cách của Kooning là một bước tiến trong công việc của ông, và vào năm 1953 đã mua lại bức tranh Woman I (1950–1952). Những gì có vẻ phản động về mặt phong cách đối với một số rõ ràng là đi tiên phong đối với những người khác.

Nổi lên vào năm 1948-1953 chỉ là hành động đầu tiên trong sự nghiệp nghệ sĩ đáng chú ý. Mặc dù thực tế là nhiều người cùng thời với ông đã phát triển phong cách tác giả trưởng thành của riêng họ, nhưng tinh thần ham học hỏi của de Kooning không cho phép giới hạn đó. Đấu tranh với việc tuân theo bất kỳ giáo điều nào, anh ấy tiếp tục khám phá những phong cách và phương pháp mới, thường là thử thách chính mình. Chúng ta cần thay đổi đểgiữ nguyên,”là một trong những nhận xét được trích dẫn của anh ấy.

Trong bức tranh Marilyn Monroe năm 1954, Willem de Kooning đã giảm biểu tượng nhạc pop thành những đặc điểm dễ nhận biết nhất - một con ruồi đen và cái miệng rộng màu đỏ.

Từ vẽ đến khắc

De Kooning cảm thấy thoải mái như nhau khi sử dụng cả giấy và canvas. Nhưng điều đầu tiên cung cấp kết quả tức thì thu hút anh ta. Từ tháng 9 năm 1959 đến tháng 1 năm 1960, nghệ sĩ vẫn ở Ý, trong thời gian đó, ông đã tạo ra một số lượng lớn các tác phẩm đen trắng thử nghiệm trên giấy, được gọi là "bản vẽ La Mã". Khi trở về, anh đã đến Bờ Tây. Ở San Francisco, de Kooning làm việc với bút lông và mực, nhưng thú vị hơn, ông đã thử nghiệm với kỹ thuật in thạch bản. Hai bản in kết quả (được gọi là Waves I và Waves II) là những ví dụ điển hình của các bản in theo trường phái biểu hiện trừu tượng.

Chiến đấu chỉ đường

Vào cuối những năm 50, Willem de Kooning chuyển từ phụ nữ sang phong cảnh phụ nữ, và xa hơn nữa là những gì dường như trở lại với sự trừu tượng "thuần túy". Những công trình này lần lượt được gọi là cảnh quan "đô thị", "đại lộ" và "mục vụ". Một loạt phong cảnh của Willem de Kooning - Police Gazette, Gotham News, Parc Rosenberg, Door to the River, Suburb in Havana, v.v … Nhưng ông chưa bao giờ hoàn toàn rời bỏ thế giới vật thể thực để thuần túy trừu tượng hóa. Năm 1960, ông nói rằng “ngày nay, nếu bạn nghĩ về nó, thật vô lý khi tạo ra hình ảnh một người bằng sơn, vì chúng ta có vấn đề này - làm hay không làm. Nhưng đột nhiên thậm chí nhiều hơnkhông hành động trở thành vô lý. Vì vậy, tôi sợ rằng mình sẽ phải chiều theo ý muốn của mình”. Hình dáng con người đã tự khẳng định mình, bây giờ ở dạng xác thịt hơn.

Di chuyển đến Long Island

Năm 1963 de Kooning chuyển từ New York đến Springs ở East Hampton trên Long Island. Thao tác không gian như một nhà điêu khắc, ông đã thiết kế và xây dựng một studio và ngôi nhà thoáng mát, tràn ngập ánh sáng trong một khu vực cây cối yên tĩnh, nơi ông làm việc vào những năm 1960 trước khi cuối cùng chuyển đến đó vào năm 1971.

Ánh sáng và cảnh quan của East Hampton khiến anh nhớ đến quê hương Hà Lan của mình, và sự thay đổi của môi trường đã được phản ánh trong công việc của anh. Màu sắc dịu đi, các hình vẽ cơ thể trở nên thông thường hơn, thay vì những người phụ nữ giận dữ và răng khểnh, những cô gái khiêu vũ và quyến rũ hơn đã xuất hiện. Anh tiếp tục thử nghiệm với sơn, thêm nước và dầu cây rum. Điều này khiến chúng trơn và ướt, điều mà nhiều người cảm thấy cực kỳ khó xử lý.

Thử nghiệm của những năm 70

Trong một chuyến du lịch ngắn ngày đến Ý vào năm 1969, sau khi gặp gỡ với người bạn Herzl, Emmanuel de Kooning đã tạo ra 13 bức tượng nhỏ bằng đất sét sau đó được đúc bằng đồng.

Vào đầu những năm 70, ông khám phá cả điêu khắc và in thạch bản trong khi tiếp tục vẽ và viết chì. Trong thời kỳ này, các yếu tố đồ họa xuất hiện nhiều hơn trong tranh của ông. Một số được thực hiện bằng cách sơn đơn giản mà không cần sử dụng phương pháp vẽ nhiều hơn. Điều này có thể đã bị ảnh hưởng bởi nghệ thuật và thiết kế của Nhật Bản, mà anh ấy đã trở nên quen thuộc trong thời gian ởNhật Bản vào đầu những năm 1970. Những bức tranh in thạch bản của ông dường như phản ánh ảnh hưởng của mực và thư pháp Nhật Bản, truyền tải cảm giác không gian rộng mở được phản ánh trong một số bức tranh của de Kooning.

Thập kỷ của những năm 1970 được đánh dấu đầu tiên bằng thử nghiệm với vật liệu và sau đó là những bước đột phá. Thông qua hoặc chống lại nhiệm vụ sáng tạo, cuối những năm 1970 đã chứng kiến một thời kỳ sung mãn trong đó nghệ sĩ tạo ra các tác phẩm đầy màu sắc gợi cảm, nằm trong số những tác phẩm trừu tượng gợi cảm nhất của ông.

Thanh thản của thập niên 80

Đấu vật thị giác là dấu ấn trong phần lớn sự nghiệp của Willem de Kooning. Trong thập kỷ qua, anh ấy đã may mắn xua tan được một số trong số chúng. Từ bỏ phương pháp chà nhám, sơn, xếp lớp, cạo, xoay canvas và thụt vào liên tục để xem từng thay đổi, những bức tranh thu nhỏ và đôi khi trầm lắng của những năm 80 có thể được coi là sự tổng hợp cuối cùng của độ cong và trừu tượng, vẽ và vẽ. và cân bằng và mất cân bằng.

Từ năm này qua năm khác trong suốt những năm 1980, nghệ sĩ đã khám phá các hình thức mới của không gian hình ảnh và điều này được thể hiện qua các tác phẩm của Willem de Kooning với những đoạn văn giống như dải băng thanh tao hoặc bằng bảng điều khiển mà qua đó các đường thẳng có thể trôi nổi hoặc đột ngột dừng lại và thăng bằng trên không gian rộng mở, địa điểm, hoặc không gian đông đúc, đậm chất trữ tình. Các phần tử có màu sắc rực rỡ, chủ yếu là tuyến tính được đặt xen kẽ với các vùng màu trắng mỏng. Với sự thẳng thắn của anh ấyVới khuynh hướng bao trùm những gì trần tục, de Kooning đã tự do khắc họa những nhân vật phi trí tuệ, trần tục hoặc hài hước mà đôi khi có thể sờ thấy được trong các bức tranh trừu tượng của ông. Điều này một lần nữa minh chứng cho sự kiên định của anh ấy về sự tự do khỏi các ý tưởng giáo lý về nghệ thuật nên là gì.

Điều này được phản ánh trong tính tự nhiên và đơn giản của các tiêu đề bình thường mà ông đặt cho một số tác phẩm trong những năm 1980: "Key and Parade", "Cat Meow" và "Deer and Lampshade". De Kooning đã đạt đến một điểm cởi mở hơn và ít lo lắng hơn trong sự nghiệp nghệ thuật của mình.

Những năm gần đây

De Kooning vẽ bức tranh cuối cùng của mình vào năm 1991. Ông mất năm 1997 ở tuổi 92 sau một sự nghiệp dài, giàu có và thành công bất thường. De Kooning đã không ngừng khám phá và mở rộng khả năng nghề của mình, để lại ấn tượng lâu dài cho các nghệ sĩ và những người yêu nghệ thuật Hoa Kỳ và quốc tế.

Công nhận toàn cầu

Trong suốt cuộc đời của mình, nghệ sĩ Willem de Kooning đã nhận được nhiều danh hiệu, bao gồm cả Huân chương Tự do của Tổng thống năm 1964. Tác phẩm của ông đã được giới thiệu trong hàng nghìn cuộc triển lãm và nằm trong bộ sưu tập vĩnh viễn của nhiều tổ chức nghệ thuật tốt nhất, bao gồm tại Bảo tàng Stedelijk ở Amsterdam, Tate Modern ở London, Phòng trưng bày Quốc gia Úc ở Canberra, Bảo tàng Nghệ thuật Thủ đô New York và Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, Viện Nghệ thuật Chicago, Bảo tàng Hirshhorn và Phòng trưng bày Quốc gia Nghệ thuật ở Washington.

Bức tranh của Willem de Kooning "Exchange" (1955) tại Sotheby's năm 1989 làđược bán với giá 20,6 triệu USD. Cùng năm, ông nhận được Giải thưởng Hoàng gia của Hiệp hội Nghệ thuật Nhật Bản. Và vào năm 2006, bức tranh "Woman III" đã được mua với giá 137,5 triệu đô la, trở thành một trong những bức tranh đắt nhất thế giới.