Nghệ thuật châu Âu: chủ nghĩa hàn lâm trong hội họa

2024 Tác giả: Leah Sherlock | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-17 05:53

Nhiều bảo tàng ở Châu Âu, trong đó một trong những nơi đầu tiên là Bảo tàng St. Petersburg, cũng như nơi tập trung các kiệt tác nghệ thuật Nga - Bảo tàng Nga, lưu giữ trong bộ sưu tập của họ một số lượng lớn các bức tranh được viết theo phong cách "học thuật" bởi các bậc thầy được công nhận trong thời đại của họ. Xu hướng hàn lâm trong nghệ thuật là cơ sở mà nếu không có hội họa và điêu khắc sẽ khó có thể phát triển thành quả như vậy. Những nét chính của chủ nghĩa hàn lâm trong hội họa là gì? Hiểu được điều này là nhiệm vụ của chúng tôi.

Chủ nghĩa hàn lâm là gì?

Trong hội họa và điêu khắc, học thuật hay hướng học thuật được coi là một phong cách mới nổi, thành phần chính của nó là trí tuệ. Không nghi ngờ gì nữa, trong khuôn khổ của hướng phong cách này, các nguyên tắc thẩm mỹ được xác định bởi các quy tắc cũng phải được tuân thủ.

Xu hướng học thuật ở Pháp, được thể hiện qua các tác phẩm của những đại diện của chủ nghĩa hàn lâm như Nicolas Poussin, Jacques Louis David, Antoine Gros, Jean Ingres, Alexandre Cabanel, William Bouguereau và những người khác, bắt nguồn từ thế kỷ 16. Nó không tồn tại lâu trong nhà nước lập pháp, và đã có trong thế kỷ 17. Nó đãđược thúc đẩy mạnh mẽ bởi những người theo trường phái Ấn tượng.

Tuy nhiên, học thuật đã khẳng định được vị thế của mình ở các nước châu Âu, và sau đó là ở Nga, và mặc dù có những phong cách mới xuất hiện, nó đã trở thành cơ sở cổ điển vững chắc cho mỹ thuật trong việc dạy các bậc thầy trẻ về hội họa và điêu khắc.

Điều kiện tiên quyết để hình thành chủ nghĩa học thuật ở Châu Âu và Nga

Những thay đổi trong cuộc sống của xã hội châu Âu nảy sinh từ thời Phục hưng, các nguyên tắc chính của nghệ thuật là chủ nghĩa nhân văn, chủ nghĩa nhân văn, cũng như khả năng phổ biến rộng rãi những tư tưởng và ý tưởng tiên tiến mới thông qua nhiều loại hình nghệ thuật, đã dẫn để thay đổi bản thân nghệ thuật, bao gồm cả hội họa châu Âu.

1. Thay đổi thái độ đối với nghệ sĩ: không phải nghệ nhân, mà là người sáng tạo.
2. Khai trương Học viện Nghệ thuật Pháp.
3. Mở các học viện nghệ thuật do những người bảo trợ ở các nước Châu Âu để nâng cao địa vị xã hội của các nghệ sĩ và dạy họ về các nguyên tắc hội họa thời Phục hưng.
4. Khuyến mãi và hỗ trợ các tài năng trẻ bởi khách hàng quen.

Những nét đặc trưng của phong cách hàn lâm trong nghệ thuật

Nghệ thuật học thuật liên quan đến việc lập kế hoạch cẩn thận, suy nghĩ thấu đáo và tìm ra các chi tiết của một tác phẩm trong tương lai. Các cốt truyện thần thoại, kinh thánh và lịch sử thường được lấy làm cơ sở thực chất. Trước khi viết canvas, người nghệ sĩ trước đó đã thực hiện một số lượng lớn các bản vẽ chuẩn bị - phác thảo. Tất cả các ký tự đều được lý tưởng hóa, nhưng đồng thời,đồ đạc, đồ vật, quần áo phù hợp với thời kỳ, v.v.

Đặc biệt chú ý đến việc sử dụng màu sắc: toàn bộ phạm vi phải tương ứng với màu thực trong cuộc sống, việc sử dụng các màu sáng, không được khuyến khích sử dụng (chỉ là ngoại lệ), cần được chăm sóc đặc biệt. Kỹ thuật và tính năng của bức tranh cũng phải tuân thủ nghiêm ngặt các quy tắc xếp chồng chiaroscuro, mô tả phối cảnh và góc độ. Những quy tắc này đã được xác định từ thời Phục hưng. Ngoài ra, bề mặt của canvas không được có vết bẩn và nhám.

Học Viện Tam Quốc Chí là cái nôi của hội họa hàn lâm

Cơ sở giáo dục này là cơ sở đầu tiên ở Nga thực hiện chức năng tương tự như Học viện Pháp vào thời đó. Người sáng lập Học viện của Ba nghệ thuật cao quý nhất, như tên gọi lúc bấy giờ, là Bá tước Ivan Ivanovich Shuvalov, một người gần với ngai vàng của Hoàng hậu Elizabeth Petrovna và bị thất sủng dưới thời Catherine II.

Ba nghệ thuật cao quý nhất là hội họa, điêu khắc và kiến trúc. Thực tế này đã được phản ánh trong sự xuất hiện của tòa nhà được dựng lên cho học viện trên Đại học Kè Neva theo dự án của J. B. tượng trưng cho nghệ thuật cao quý nhất. Tất nhiên, việc đầu tiên trong số này là vẽ tranh.

Tại học việncác bậc thầy nổi tiếng nhất của Châu Âu đã giảng dạy và làm việc cùng với các sinh viên. Ngoài kiến thức lý thuyết cơ bản, học viên của học viện có cơ hội quan sát công việc của các bậc thầy nổi tiếng Châu Âu và học hỏi từ họ trong thực tế.

Trong quá trình đào tạo, các nghệ sĩ trẻ đã học viết và vẽ từ thiên nhiên, học giải phẫu tạo hình, đồ họa kiến trúc, v.v. Khi tốt nghiệp, tất cả sinh viên tốt nghiệp đều thực hiện một tác phẩm cạnh tranh về một chủ đề cụ thể, thường là một cốt truyện thần thoại, trong một cách học thuật. Kết quả của cuộc thi, các tác phẩm tài năng nhất đã được xác định, tác giả của chúng được trao huy chương với nhiều mệnh giá khác nhau, trong đó huy chương cao nhất cho phép họ tiếp tục đi học ở Châu Âu miễn phí.

Viện sĩ Nga

Theo thông lệ, người ta thường chọn ra hai giai đoạn theo hướng hàn lâm của hội họa Tây Âu: hàn lâm cuối thế kỷ 18 - đầu thế kỷ 19. và nửa sau của thế kỷ 19. Trong số các nghệ sĩ của thời kỳ đầu tiên, F. Bruni, A. Ivanov và K. P. Bryullov là nổi bật. Trong số các bậc thầy của thời kỳ thứ hai là những kẻ lang thang, đặc biệt là Konstantin Makovsky.

Những nét chính của chủ nghĩa học thuật cuối thế kỷ XVIII - đầu thế kỷ XIX. được coi là:

• chủ đề siêu phàm (thần thoại, chân dung nghi lễ, phong cảnh thẩm mỹ viện);
• vai trò ẩn dụ cao;
• linh hoạt và đa hình;
• kỹ thuật cao;
• quy mô và độ bền.

Vào nửa sau của thế kỷ 19, trong nghệ thuật hội họa hàn lâm, danh sách các đặc điểm này được mở rộng do:

• kết hợp các yếu tố của chủ nghĩa lãng mạn và chủ nghĩa hiện thực;
• sử dụng các chủ đề lịch sử và truyền thống địa phương.

Karl Pavlovich Bryullov - bậc thầy về hội họa hàn lâm

Karl Bryullov, bậc thầy đã tạo ra bức tranh tôn vinh tên tuổi tác giả trong nhiều thế kỷ - "Ngày cuối cùng của Pompeii" đặc biệt nổi bật trong danh sách các nghệ sĩ hàn lâm.

Số phận của Karl Pavlovich Brullo (va) đến từ St. Petersburg gắn liền với những đặc thù của quá trình giáo dục và cuộc sống trong gia đình. Việc cha của Karl và các anh trai của ông là nghệ sĩ và gắn kết cuộc đời họ với Học viện Nghệ thuật đã xác định con đường sáng tạo xa hơn của một chàng trai tài năng. Anh ấy đã tốt nghiệp học viện với huy chương vàng. Anh trở thành thành viên của Hiệp hội Khuyến khích Nghệ sĩ và nhờ đó anh có thể tiếp tục học ở Châu Âu - ở Ý. Ở đó, ông đã sống và làm việc trong suốt mười hai năm. Sau khi thực hiện đơn đặt hàng riêng của Demidov cho một bức tranh khổ lớn về cái chết của thành phố Pompeii, anh ta có thể chấm dứt mối quan hệ của mình với xã hội và trở thành một nghệ sĩ độc lập.

Karl Bryullov chỉ sống 51 năm. Trước sự van nài của Nicholas I, anh trở về Nga, kết hôn không hạnh phúc và ly hôn vài tháng sau khi kết hôn. Ban đầu được cả xã hội Xanh Pê-téc-bua đón nhận như một thiên tài và anh hùng dân tộc, sau cuộc hôn nhân đầy tai tiếng, anh cũng bị cả xã hội chối bỏ, anh ốm nặng buộc phải ra đi. Ông qua đời ở Rome, và trên thực tế, vẫn là thiên tài của một bức tranh. Và điều này là mặc dù thực tế là ông đã tạo ra đủ các bức tranh sơn dầu vẫn có tầm quan trọng lớn đối với hội họa hàn lâm của thế kỷ 19.