Tranh Hàn Quốc: lịch sử, thể loại, tính năng

2024 Tác giả: Leah Sherlock | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-17 05:53

Tranh Hàn Quốc bao gồm các bức tranh được làm ở Hàn Quốc hoặc của người Hàn Quốc ở nước ngoài, từ những bức tranh trên tường của lăng mộ Goguryeo đến nghệ thuật khái niệm hậu hiện đại. Các tác phẩm mỹ thuật được sản xuất trên bán đảo Triều Tiên theo truyền thống được đặc trưng bởi sự đơn giản, tự nhiên và chủ nghĩa tự nhiên.

Thể loại và chủ đề của tranh Hàn Quốc

Các thể loại nghệ thuật Phật giáo mô tả Đức Phật hoặc các nhà sư Phật giáo và nghệ thuật Nho giáo miêu tả các học giả hoặc sinh viên ở một nơi yên tĩnh, thường là trên núi, theo xu hướng chung của nghệ thuật châu Á.

Phật thường mang nét Hàn Quốc và đang trong tư thế nằm nghỉ. Màu sắc của quầng sáng có thể không nhất thiết phải là vàng, các màu sáng hơn thường được sử dụng. Các khuôn mặt thường thực tế và thể hiện tính nhân văn, thời đại. Khuôn mặt, như một quy luật, là hai chiều, quần áo là ba chiều. Như trong nghệ thuật phương Tây thời trung cổ và phục hưng, quần áo và khuôn mặt thường được tạo ra bởi hai hoặc ba nghệ sĩ chuyên về một kỹ năng cụ thể. Hình tượng của các bức tranh Hàn Quốc phù hợp với hình tượng của Phật giáo.

Các nhà khoa học trong hình ảnh nhưtheo quy định, họ phải mặc mũ và quần áo truyền thống phù hợp với vị trí của họ. Họ thường được cho thấy thư giãn hoặc với giáo viên hoặc người cố vấn của họ.

Cảnh săn bắn, quen thuộc với toàn thế giới, thường được tìm thấy trong nghệ thuật Hàn Quốc và gợi nhớ đến cảnh săn bắn của người Mông Cổ và Ba Tư.

Trong thời kỳ Joseon, các họa sĩ phong cảnh bắt đầu miêu tả phong cảnh thực tế hơn là những cảnh tưởng tượng cách điệu. Chủ nghĩa hiện thực nhanh chóng lan sang các thể loại khác, và các nghệ sĩ bắt đầu vẽ những cảnh từ cuộc sống hàng ngày của người dân Hàn Quốc. Chân dung cũng trở thành một thể loại quan trọng, cũng như hội họa nghiệp dư do giới văn học sáng tạo ra như một hình thức tự hoàn thiện. Minhwa, những bức tranh trang trí đầy màu sắc của các nghệ sĩ Hàn Quốc vô danh, được vẽ rất nhiều.

Thời Tam Quốc

Mỗi ba vương quốc, Silla, Baekje và Goguryeo, đều có phong cách vẽ tranh độc đáo của riêng mình và phát triển dưới ảnh hưởng của khu vực địa lý ở Trung Quốc mà vương quốc cụ thể đó có quan hệ. Những bức tranh ban đầu của Silla được coi là kém hơn so với Goguryeo và Baekje, chúng kỳ lạ và tự do hơn, và một số trong số chúng có thể được coi là gần như theo trường phái ấn tượng. Các bức tranh của Bách Tế không nghiêng về chủ nghĩa hiện thực và được cách điệu nhiều hơn, được thực hiện theo phong cách thanh lịch, tự do. Trái ngược hẳn với những bức tranh của hai thời kỳ còn lại, những bức tranh của Goguryeo rất năng động và thường miêu tả những con hổ đang chạy trốn khỏi các cung thủ trên lưng ngựa. Sau khi Silla nuốt chửng hai vương quốc khác, ba phong cách vẽ độc đáo khác nhauhợp nhất thành một và họ cũng bị ảnh hưởng bởi những liên hệ thường xuyên với Trung Quốc.

Triều đại Triều Tiên (918-1392)

Trong thời kỳ Goryeo (918-1392), có khá nhiều họa sĩ, như nhiều quý tộc vẽ tranh để kích thích trí tuệ, và sự trỗi dậy của Phật giáo đã tạo ra nhu cầu về những bức tranh có họa tiết Phật giáo. Mặc dù duyên dáng và tinh tế, các bức tranh Phật giáo từ thời kỳ này có vẻ lòe loẹt theo tiêu chuẩn ngày nay. Trong thời kỳ này, các nghệ sĩ bắt đầu vẽ nhiều cảnh khác nhau dựa trên ngoại hình thực của họ, sau đó trở nên phổ biến vào thời Joseon.

Trong triều đại Goryeo, có những bức tranh đặc biệt đẹp với chủ đề Phật giáo. Hình ảnh của Bồ tát Quán Thế Âm (tiếng Hàn là Gwanum Bosal) nổi bật về sự sang trọng và tâm linh.

Triều đại Joseon (1392-1910)

Phong cách vẽ tranh của thời đại Joseon trong nghệ thuật Hàn Quốc được bắt chước nhiều nhất hiện nay. Một số loại tranh này tồn tại trong thời kỳ đầu của Tam Quốc và thời Goryeo, nhưng đến thời Joseon thì chúng mới được thành lập. Sự truyền bá của Nho giáo trong thời đại này đã kích thích sự đổi mới của nghệ thuật. Đặc biệt, nghệ thuật trang trí của thời kỳ đó bộc lộ nhiều yếu tố, ý nghĩa địa phương, trái ngược với thời kỳ trước. Sự suy tàn của Phật giáo với tư cách là nền văn hóa thống trị đã khuyến khích sự phát triển của hội họa Hàn Quốc theo một hướng khác. Những bức tranh của thời Joseon phần lớn bắt chước phong cách hội họa của Trung Quốc, nhưng một số nghệ sĩ đã cố gắng phát triển một cách tiếp cận khác biệt của Hàn Quốc bằng cách sử dụngkỹ thuật phi Trung Quốc và vẽ phong cảnh địa phương và cảnh trong cuộc sống hàng ngày. Các biểu tượng và yếu tố độc đáo của Hàn Quốc cũng có thể được nhìn thấy trong cách mô tả động vật và thực vật.

Nghệ thuật Phật giáo tiếp tục được sản xuất và đánh giá cao, mặc dù không còn trong bối cảnh chính thức. Sự đơn giản của nghệ thuật Phật giáo đã phổ biến trong các ngôi nhà riêng và cung điện mùa hè của triều đại. Các hình thức của Kore đã phát triển và các hình tượng Phật giáo như hoa lan, hoa mận và hoa cúc, tre và trúc đã được đưa vào các bức tranh thể loại như là biểu tượng của sự may mắn. Không có thay đổi thực sự nào về màu sắc hoặc hình dạng và những người cai trị hoàng gia không cố gắng áp đặt bất kỳ tiêu chuẩn nghệ thuật nào.

Cho đến cuối thế kỷ XVI, các họa sĩ cung đình theo phong cách của các họa sĩ cung đình chuyên nghiệp Trung Quốc. Các nghệ sĩ đáng chú ý trong thời kỳ này là Kin, Zhu Ken và Yi Sang-cha. Đồng thời, các họa sĩ nghiệp dư vẽ các chủ đề dân gian truyền thống như chim chóc, côn trùng, hoa lá, muông thú và "tứ linh" của Phật giáo. Các thể loại chính của thời kỳ này là phong cảnh, minhwa, chân dung.

Quý nhân tứ trọng

Tên gọi khác của phong cách này là "tứ quý": mận, lan, cúc và trúc. Ban đầu chúng là biểu tượng của Nho giáo về bốn phẩm chất của một người có học: hoa mận tượng trưng cho lòng dũng cảm, tre tượng trưng cho sự chính trực, hoa lan là biểu tượng của sự tinh tế, hoa cúc là một cuộc sống năng suất và hiệu quả.

Chân dung

Chân dung đã được viết trêntrong suốt chiều dài lịch sử của Hàn Quốc, nhưng hầu hết chúng đều xuất hiện dưới thời Joseon. Đối tượng chính của các bức chân dung là các vị vua, những người xứng đáng, các quan chức cao tuổi, nhà văn hoặc quý tộc, phụ nữ và các nhà sư Phật giáo.

Minghwa

Vào cuối thời Joseon, loại tranh dân gian này xuất hiện, được tạo ra bởi những nghệ sĩ vô danh trung thành với các hình thức truyền thống. Với mục đích mang lại may mắn cho gia đình, hình ảnh của những bức tranh này bao gồm: hổ (thần núi), biểu tượng của sự trường thọ (hạc, nai, nấm, đá, nước, mây, mặt trời, mặt trăng, cây tùng và rùa.); chim đôi, tượng trưng cho tình nghĩa vợ chồng; côn trùng và hoa tượng trưng cho sự hòa hợp giữa âm và dương; và giá sách đại diện cho học tập và trí tuệ. Các mục được mô tả theo phong cách hoàn toàn phẳng, tượng trưng hoặc thậm chí là trừu tượng và có màu sắc rực rỡ.

Tranh phong cảnh và thể loại

Phong cách của các triều đại trung lưu chuyển sang chủ nghĩa hiện thực cao siêu. Phong cách vẽ tranh phong cảnh quốc gia được gọi là "góc nhìn chân thực" hay "trường phái phong cảnh hiện thực" bắt đầu phát triển, chuyển từ phong cách phong cảnh lý tưởng hóa truyền thống của Trung Quốc sang những bức tranh miêu tả những địa điểm cụ thể với sự thể hiện chính xác.

Cùng với sự phát triển của phong cảnh thực tế, việc thực hành vẽ cảnh thực tế của những người bình thường đang làm những việc hàng ngày. Thể loại tranh là phong cách hội họa độc đáo nhất của Hàn Quốc và cung cấp góc nhìn lịch sử về cuộc sống hàng ngày của người dân thời Joseon.

Golden Age

Hậu Joseon được coi là thời kỳ hoàng kim của hội họa Hàn Quốc. Điều này trùng hợp với việc mất liên lạc với nhà Minh. Các nghệ sĩ Hàn Quốc buộc phải xây dựng các mô hình nghệ thuật quốc gia mới dựa trên việc xem xét nội tâm và tìm kiếm các chủ đề cụ thể của Hàn Quốc. Vào thời điểm này, ảnh hưởng của Trung Quốc không còn thống trị, và nghệ thuật Hàn Quốc ngày càng trở nên đặc sắc hơn.

Nhật Bản chiếm đóng và Hàn Quốc hiện đại

Về cuối thời kỳ Joseon, ảnh hưởng của phương Tây và Nhật Bản ngày càng trở nên rõ ràng hơn. Vào thế kỷ 19, bóng đổ lần đầu tiên được sử dụng trong các bức chân dung. Trong số các họa sĩ chuyên nghiệp, phong cách hội họa hàn lâm của Trung Quốc chiếm ưu thế.

Trong thời kỳ Nhật Bản chiếm đóng Hàn Quốc, từ giữa những năm 1880 đến năm 1945, các nghệ sĩ Hàn Quốc đã trải qua một thời kỳ khó khăn khi Nhật Bản cố gắng áp đặt văn hóa của mình lên mọi khía cạnh của cuộc sống Hàn Quốc. Các trường nghệ thuật Hàn Quốc bị đóng cửa, các bức tranh Hàn Quốc bị phá hủy, và các nghệ sĩ được yêu cầu vẽ các hình ảnh Nhật Bản theo phong cách Nhật Bản. Những nghệ sĩ trung thành với truyền thống Hàn Quốc đã phải đi ở ẩn, và những người từng học ở Nhật Bản và vẽ theo phong cách Nhật Bản đã bị buộc tội thỏa hiệp.

Trong thời kỳ sau Thế chiến thứ hai, các nghệ sĩ Hàn Quốc đã đồng hóa một số cách tiếp cận hội họa của phương Tây. Một số nghệ sĩ impasto châu Âu là những người đầu tiên thu hút sự quan tâm của người Hàn Quốc. Các nghệ sĩ như Gauguin, Monticelli, Van Gogh, Cezanne, Pissarro trở nên rất có ảnh hưởng vì họ là những người được nghiên cứu nhiều nhất về nghệ thuậtcác trường học, và sách về họ nhanh chóng được dịch sang tiếng Hàn và luôn sẵn có. Nhờ chúng, các bảng màu có tông màu vàng đất, vàng cadmium, vàng Naples và sienna đã xuất hiện trong bức tranh hiện đại của Hàn Quốc.

Lý thuyết màu sắc được ưu tiên hơn so với quan điểm chính thức và vẫn không có sự trùng lặp giữa hội họa và đồ họa đại chúng, vì các nghệ sĩ chủ yếu bị ảnh hưởng bởi nghệ thuật gốm sứ.